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Mar 07, 2023

Donner forme à l'attachement et à l'ambivalence de la maternité

Si le langage visuel de Julia Phillips reste informé par des outils fonctionnels et

Alors que le langage visuel de Julia Phillips reste informé par des outils fonctionnels et des moulages corporels en céramique qui servent de métaphores pour des expériences sociales et psychologiques, la maternité récente a compliqué et élargi son arsenal visuel et émotionnel. Son exposition « Me, Ourself & You » est à l’affiche à la Matthew Marks Gallery de New York jusqu’au 29 octobre. Ci-dessous, l’artiste née en Allemagne et basée à Chicago discute de son travail récent dans le contexte de l’arc plus long de sa pratique.

MON TRAVAIL COMMENCE SOUVENT par un titre qui décrit une relation, un rôle, une personne, une fonction à la fois. Ma langue maternelle est l’allemand, et mon éloignement du vocabulaire anglais me permet de penser les titres en termes abstraits et visuels. Je pense aux relations et à la façon dont elles se traduisent en métaphores mécaniques et corporelles. Je m’intéresse particulièrement aux relations qui existent au niveau intime, interpersonnel et qui se traduisent par un niveau structurel et politique.

Dans mon travail, l’accent est passé des mécanismes de relations oppressives aux relations qui permettent une dynamique de pouvoir horizontale, avec un potentiel de réconciliation. Au cours des deux dernières années, j’ai examiné de plus près les relations avec soi et ce que j’appelle les « organes imaginaires », comme l’âme ou l’esprit. Je vois cette enquête comme faisant partie du développement du désir de devenir mère.

Pendant les mois où j’ai essayé de concevoir, j’ai eu une sorte de crise artistique, une crise littérale de la création. La seule expression créative que j’ai eue était la série « Dessin de conception » (2020-21), motivée par ce que j’appelle mon anxiété de conception. Le processus a également été influencé par les expériences passées, tout un spectre allant des avortements aux grossesses extra-utérines en passant par les fausses couches. Ces expériences médicales m’ont rendu plus conscient de mon intérieur physique et imaginaire. Que savez-vous vraiment de l’intérieur de votre corps? Cette enquête sans fin est représentée par le point d’interrogation après le titre de chaque dessin. Je suis entrée dans la série en voulant articuler la séparation entre la personne enceinte et l’embryon ou le fœtus. J’essayais de dessiner des frontières, mais aussi des enclos et des passages, des courbes qui pourraient être l’intérieur du corps ou l’espace négatif.

Pour ce spectacle, j’ai imaginé faire une pause dans les moulages corporels parce qu’ils sont physiquement éprouvants. Mais il y avait urgence à faire Nourisher, 2022. Je disais ce que cela signifie de ressentir du stress, des troubles intérieurs et de la tristesse pendant l’allaitement. La sculpture se compose d’un visage et d’un moulage de sein, avec le visage regardant vers le bas vers le nourrisson imaginé, un moment que je trouve si magnifiquement intime entre la mère et l’enfant. Les yeux du visage sont percés de trous montrant les résidus d’argile humide faisant place à l’intérieur et à l’extérieur des yeux, symbole du regard allant dans les deux sens, du nourrisson à la mère et vice-versa. Des tubes médicaux sortent de la bouche et des mamelons de la silhouette et s’accumulent sur le sol. C’est une métaphore du partage des ressources, la prise de la nourrissante devenant la nourriture du nourrisson, presque une déclaration environnementale. Que se passe-t-il si la situation de l’alimentateur est dangereuse? Est-ce que le mal a été transmis?

J’ai conceptualisé cette exposition dans une ambiance festive, en attendant l’enfant et la maternité. Mais ma grossesse a également coïncidé non seulement avec les horribles nouvelles mondiales en cours, mais aussi avec le renversement de Roe dans ce pays. J’ai réalisé que je voulais rendre compte de ce climat politique et de la façon dont il influence les questions autour de la maternité désirée, anticipée, redoutée et non désirée. J’avais fait des œuvres dans le passé qui comprenaient des titres, tels que [R]Ejecter, 2018, et Aborter, 2017, qui représentent l’utérus comme une entité refusante, qui peut faire une fausse couche ou avorter. Avec les deux œuvres de cette exposition, Impregnator, 2022, et une nouvelle œuvre intitulée Aborter, 2022, j’essaie de mettre en évidence la dynamique complexe de la grossesse en pointant du doigt les deux parties impliquées, celle qui féconde et celle qui conçoit, potentiellement avortée. Les poignées apparaissent sur les deux appareils comme des éléments ambigus représentant qui est en charge de ces opérations.

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Au fur et à mesure que de plus en plus de femmes parlent ouvertement de leurs expériences d’avortement, des histoires complexes et uniques de divers aspects de ces événements sont racontées. Cela a été puissant de découvrir des histoires comme The Abortion (1971) d’Alice Walker. J’ai récemment écouté un épisode du podcast du New York Times, The Daily, intitulé « Pregnant at 16 ». Ce fut un moment révélateur qui m’a amenée à sympathiser avec deux femmes qui ont vécu des expériences similaires mais qui se sont transformées en adversaires : l’une pro-vie et l’autre pro-choix. Peu importe à quel point c’est difficile, entendre les femmes partager leurs histoires est un travail politiquement important et personnellement libérateur.

Mon expérience des grossesses qui n’ont pas abouti à la naissance d’un enfant a été un sujet de recherche important pour moi et est devenue une partie de mon identité personnelle et artistique. Avant qu’il y ait un désir bien articulé de maternité, il y avait aussi, bien sûr, des phases d’ambivalence. La psychanalyse a servi de ressource importante, mais aussi un champ sans jugement où les sentiments de répulsion et d’anxiété peuvent être exprimés et étudiés. Une de mes grandes influences est le travail de la Dre Jennifer Stuart, en particulier son texte « Procreation, Creative Work, and Motherhood » (2011) et ses articulations de l’attachement et de l’autonomie.

La série « Attachment » (2022) explore cette théorie des relations mère-enfant en termes physiques. Je voulais fabriquer des appareils avec des poignées des deux côtés, éclairés par l’instinct d’un nourrisson à saisir. Un côté est une poignée de forme plus rationnelle, tandis que l’autre est malléable et non construit, une référence à la présence d’un nourrisson. Une pièce a des dégagements mécaniques rapides, trouvés par exemple dans les engins d’escalade. Je m’intéressais à la forme, mais aussi à la métaphore. D’où vient le besoin de libérer rapidement ce qui a été attaché auparavant?

Le titre du spectacle « Me, Ourself & You » est un jeu de mots sur l’album Me Myself I de Joan Armatrading. Le sentiment de soi et l’état d’être seul sont en jeu avec le développement de devenir mère et d’expérimenter le corps comme un espace partagé, pendant la grossesse et après. Je joue avec le mot « nous-mêmes », oscillant entre singulier et pluriel, à peu près ce que j’ai ressenti en regardant un test de grossesse positif.

— Propos recueillis par Michelle Millar Fisher